关山月 广西建设研究会园景 40.7×80.4cm 中国画 1940年
单就字面来说“绘画性”就是指艺术家通过笔触、颜色、薄厚及各种材料的具体画面体现。回到“绘画性”，想来应该和摄影技术出现有关。摄影的出现，代替了绘画的再现、记录功能。就创作者而言，“绘画性”是个体的灵性以及生命体验在绘画中的体现，也是机器复制时代由情绪和手感显现的超出视觉经验的艺术语言方式，不可复制性既是“绘画性”的价值所在。这也正是绘画的魅力。
照相技术的出现，印象主义、表现主义、具象主义、抽象主义以及后现代这些明显带有浓烈个人意识的流派成为主流思潮，主动地审视和对“绘画性”的思考激发了艺术家们创造出大量纯粹个性化样式的作品，绘画图式更加多样纷呈。而后期一些画家则更多地融入了自身观照的方式和情感意趣。艺术史的传承发展过程，致使我们不断找寻一条属于自己的个性化语言道路。
丹托在“艺术终结论”中的描述，其实是在告诉我们艺术不再纠缠于某一特定形式，而是指向艺术家更为广阔的精神世界。当然，这一精神世界是个体对于自身生存现实的体认与反思，也是“绘画性”的当代转向。艺术批评家格林伯格谈到绘画艺术的特性在于平面性，艺术的价值在于自身具有的其他门类艺术不可互换的特性，这种特性由媒介所决定。在格林伯格看来，消费时代的商业文化形式中，主要的呈现形态是图像，图像的概念像“绘画性”一样，有广义狭义之分，广义上的图像概念包括传统绘画的所有门类，也包括大众文化特征下涉及到的当代视觉形象。而狭义上的图像，主要指如摄影、电影、电视、数码图像、设计、包装等。这些图像的典型特征是通过机械批量生产出标准化、去个性化的产品，并且进入私人空间。德国艺术理论家本雅明明确指出，艺术作品尤其不能忍受机械复制。这不但能确保作品的唯一性，还能确保作品的手工性特征，在这里，手工性也即“绘画性”。西方当代艺术中的“绘画性”内涵是一个由注重画面的形式结构到注重手工性的一个过程。